Raffaello Sanzio nasce ad Urbino nel 1483 e muore a Roma nel 1520. Fu un pittore e un architetto italiano del secondo Rinascimento.
La sua ripresa dei temi michelangioleschi fu l’input del Manierismo.
LA SCUOLA DI ATENE
Raffaello Sanzio, La Scuola di Atene, 1509-1511 circa, Affresco,500×770 cm. Musei Vaticani, Città del Vaticano
Quest’opera di Raffaello esalta la ricerca razionale. L’affresco rappresenta i maggiori filosofi e matematici dell’antichità intenti a dialogare. i due filosofi al centro sono Platone e Aristotele. L’intera scena è incorniciata da un arco dipinto. Inoltre sulla destra vi è un autoritratto dello stesso Raffaello. È particolarmente visibile l’uso della prospettiva, come suggeriscono i bordi delle decorazioni (di forma quadrata) del pavimento, che convergono verso un unico punto di fuga (al centro dell’intero affresco, dove si trovano Platone e Aristotele).
Rinvio all’utile schema riassuntivo presente su Wikipedia per la lista completa dei personaggi rappresentati.
Leonardo di ser Piero da Vinci (meglio conosciuto come Leonardo da Vinci) nasce a Vinci (un comune italiano vicino Firenze) nel 1452 e muore ad Amboise nel 1519.
È, forse, il più conosciuto artista del Secondo Rinascimento.
Incarnava in pieno il significato di “artista eclettico“, in quanto fu un pittore, un ingegnere, uno scienziato (si occupò particolarmente di anatomia), un architetto, uno scultore, uno scenografo e un musicista.
“Fu tanto raro e universale, che dalla natura per suo miracolo esser produtto dire si puote: la quale non solo della bellezza del corpo, che molto bene gli concedette, volse dotarlo, ma di molte rare virtù volse anchora farlo maestro. Assai valse in matematica et in prospettiva non meno, et operò di scultura, et in disegno passò di gran lunga tutti li altri. Hebbe bellissime inventioni, ma non colorì molte cose, perché si dice mai a sé medesimo avere satisfatto, et però sono tante rare le opere sue. Fu nel parlare eloquentissimo et raro sonatore di lira […] et fu valentissimo in tirari et in edifizi d’acque, et altri ghiribizzi, né mai co l’animo suo si quietava, ma sempre con l’ingegno fabricava cose nuove.”
(Anonimo Gaddiano, 1542)
LA GIOCONDA
Leonardo da Vinci, La Gioconda, 1503–1506 circa, Olio su tavola, 77×53 cm. Museo del Louvre, Parigi
La Gioconda è, forse, l’opera più conosciuta in tutto il mondo di Leonardo. In questa tavola, ricoperta da un alone di mistero non indifferente, si riconosce subito la tecnica dello sfumato di Leonardo.
La donna è seduta, girata a sinistra, ma con il volto leggermente rivolto verso lo spettatore. Lo sfondo è immaginario, e la parte sulla sinistra è evidentemente posta più in basso di quella a destra.
“nella Gioconda, l’individuo – una sorta di miracolosa creazione della natura – rappresenta al tempo stesso la specie: il ritratto, superati i limiti sociali, acquisisce un valore universale. Leonardo ha lavorato a quest’opera sia come ricercatore e pensatore sia come pittore e poeta; e tuttavia il lato filosofico-scientifico restò senza seguito. Ma l’aspetto formale – l’impaginazione nuova, la nobiltà dell’atteggiamento e la dignità del modello che ne deriva – ebbe un’azione risolutiva sul ritratto fiorentino delle due decadi successive. […] Leonardo ha creato con la Gioconda una formula nuova, più monumentale e al tempo stesso più animata, più concreta, e tuttavia più poetica di quella dei suoi predecessori. Prima di lui, nei ritratti manca il mistero; gli artisti non hanno raffigurato che forme esteriori senza l’anima o, quando hanno caratterizzato l’anima stessa, essa cercava di giungere allo spettatore mediante gesti, oggetti simbolici, scritte. Solo nella Gioconda emana un enigma: l’anima è presente, ma inaccessibile”
Michelangelo Buonarroti nasce nel 1475 a Caprese, in provincia di Arezzo e muore a Roma nel 1564.
Molte delle sue opere sono conosciute in tutto il mondo e vengono considerate i capolavori dell’arte occidentale. Alcuni esempi sono il David, gli affreschi della Cappella Sistina, la Pietà.
Michelangelo era uno scultore ma, come tutti gli artisti del Secondo Rinascimento, era un artista eclettico, cioè capace di muoversi, senza eccessiva difficoltà, in campi totalmente diversi dalla scultura, tra cui la pittura, l’architettura e la poesia.
Nel 1487 entrò come apprendista nella bottega di Domenico Ghirlandaio, ma abbandonò l’apprendistato dopo un anno (per questo motivo Michelangelo, come i suoi contemporanei, è considerato un artista “sbottegato”).
LA PIETÀ
Michelangelo Buonarroti, Pietà vaticana, 1497-1499, Marmo, 174×195×69 cm. Basilica di San Pietro in Vaticano, Città del Vaticano
La Pietà vaticana è il primo capolavoro di Michelangelo (allora poco più che ventenne) ed è considerata una delle migliori opere mai prodotte dall’Occidente.
In quest’opera Michelangelo stravolge lo schema rigido delle antiche Pietà, concependo il corpo del Cristo in una posizione estremamente naturale, mollemente adagiato sulle gambe della Vergine Maria.
L’opera ha uno sviluppo piramidale ed è caratterizzata da un pesante chiaroscuro, dato dalle pieghe frastagliate della Vergine.
IL DAVID
Michelangelo Buonarroti, David, 1501-1504, Marmo bianco, 410×199 cm. Galleria dell’Accademia, Firenze
la figura del David viene (anche in questo caso) sconvolta, rappresentando il giovane nel momento di concentrazione prima della battaglia. I muscoli sono poderosi e trasmettono l’idea di una forza fisica enorme, nonostante siano ancora rilassati. L’intera scultura è data da un attento studio anatomico (come evidenzia la vena sul collo girato). Il David, ancora oggi, rappresenta l’ideale della perfezione e della bellezza umana.
LA VOLTA DELLA CAPPELLA SISTINA
Michelangelo Buonarroti, volta della Cappella Sistina, 1508-1512, Affresco, 4093×1341 cm. Cappella Sistina, Musei Vaticani, Città del Vaticano (Roma)
Il tema generale degli affreschi è la Creazione, che culmina nella creazione dell’Uomo a immagine e somiglianza di Dio. La volta celebra, inoltre, la concordanza fra Antico e Nuovo Testamento, in nome della visione secondo cui uno anticipa l’altro. i nove riquadri centrali mostrano, per l’appunto, delle Storie dalla Genesi:
Separazione della luce dalle tenebre (Genesi 1,1-5)
Creazione degli astri (Genesi 1,11-19)
Separazione della terra dalle acque (Genesi 1,9-10)
Creazione di Adamo (Genesi 1,26-27)
Creazione di Eva (Genesi 2,18-25)
Peccato originale e cacciata dal Paradiso terrestre (Genesi 3,1-13.22-24)
Sacrificio di Noè (Genesi 8,15-20)
Diluvio Universale (Genesi 6,5-8,20)
Ebbrezza di Noè (Genesi 9,20-27)
Nei pennacchi angolari, invece, si trovano le Storie dall’Antico Testamento:
Nasce a Firenze nel 1400 e muore nella sua città all’età di 82 anni, fu uno scultore, ceramista e orafo.
Da giovane imparò a disegnare e modellare la cera presso la bottega di Nanni di Banco, quando il suo maestro morì, si trasferì nella bottega di Donatello dove strinse amicizia con Brunelleschi.
Inventò la terracotta invetriata riuscendo a creare sculture policrome di eccezionale brillantezza e resistenza nel tempo, infatti la ceramica era il materiale indicato per la costruzione di sculture che dovevano essere esposte esternamente.
Dal 1439 abbandonò la scultura per dedicarsi interamente alla ceramica.
CANTORIA
Cantoria; Luca della Robbia; 1431-1438; bassorilievo; 348 cm; Museo dell’Opera del Duomo, Firenze
Scolpita per la cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze, è considerata uno dei capolavori del primo rinascimento fiorentino. Era posta a un’ altezza di 348 cm, oggi la cantoria originale è montata in una sala del museo alla stessa altezza con cui veniva presentata nel Duomo. Quando venne affidata a Luca, era posta su una parete verso nord, che veniva illuminata dalla luce proveniente da sud. L’opera è composta come un parallelepipedo sostenuto da cinque mensole, ornate da girali e volute. In corrispondenza di ciascuna mensola e agli spigoli si levano sul parapetto una coppia di piccole paraste scanalate con capitelli corinzi. Si vengono così a creare quattro spazi quadrati sul fronte e due ai lati (questi ultimi rettangolari) dove sono collocate le formelle scolpite a bassorilievo. Altre quattro formelle si trovano tra le mensole, per un totale di dieci.
CAPPELLA PAZZI
La cupoletta interna, opera di Luca della Robbia, della cappella Pazzi di Brunelleschi; Firenze
Lavorò alla decorazione della Cappella Pazzi al fianco di Brunelleschi, realizzando i tondi degli Evangelisti e la decorazione della cupola con gli stemmi della famiglia Pazzi.
Interno della cappella Pazzi. Da notare le raffigurazioni degli Evangelisti ad opera di Luca della Robbia
Jacopo di Pietro d’Agnolo di Guarnieri detto Jacopo della Quercia, nasce a Siena nel 1374 e muore nella sua città natale nel 1438, all’età di 64 anni.
Tirocinante presso la Bottega dello scultore Antonio Pardini, manifesta interesse per le figure che rese monumentali e percorse da una vitalità prorompente. La sua opera non trovò continuatori immediati, venne capito successivamente solo da Michelozzo.
Nel 1401 partecipò al concorso per la porta nord del Battistero fiorentino, successivamente la sua formella andò persa.
MADONNA DELLA MELAGRANA
Madonna della melagrana (Madonna Silvestri), 1403-1408, museo della Cattedrale di Ferrara
Nel 1403 fu a Ferrara per eseguire nel Duomo la marmorea Madonna della Melagrana, terminata nel 1408.
La scultura è stata sempre oggetto di grande devozione da parte dei ferraresi, che fin dal Settecento la chiamarono “Madonna Bianca” o, più affettuosamente, “Madonna del Pane”, in quanto nel Rotolo della Legge che il Bambino stringe nella manina vi si riconosceva la caratteristica forma del tipico pane ferrarese.Il solido impianto volumetrico e la maestosità delle forme rappresentano il più palese omaggio alla cultura figurativa toscana. Ma la grandezza della Madonna della melagrana si misura anche con la ricchezza di riferimenti alla coeva plastica gotica dell’Italia settentrionale. Ciò è evidente negli straordinari brani di elegantissima verità: la mano della Vergine che regge il melograno, la sua acconciatura e persino l’annodatura della veste, oltre che la linea arcuata del corpo del Bambino che accompagna il morbido panneggio.
Tipici di Jacopo sono infine i tratti eleganti dei volti, specie quello della Madonna, sorta di eterno femmineo che l’artista ripeterà in un altro suo capolavoro: il…
MONUMENTO FUNEBRE A ILARIA DEL CARRETTO.
Monumento funebre a Ilaria Del Carretto; Jacopo della Quercia; 1406-1408; marmo; 88×244×66,5 cm; Cattedrale di San Martino, Lucca
Questo monumento è composto da un basamento in pietra e da un sarcofago in marmo, la sua costruzione è collocata nei primissimi anni del Quattrocento.
Ilaria del Carretto era la giovane moglie di Paolo Guinigi, signore di Lucca, che morì a soli 25 anni. Il corpo di Ilaria non venne mai deposto nel sarcofago, ma la salma venne riposta nella cappella di villa Guinigi. Quando Paolo Guinigi venne cacciato dalla città, i suoi beni vennero confiscati e anche il sarcofago di Ilaria venne spogliato delle sue decorazioni laterali. Quasi 50 anni dopo, vennero ritrovate e riannesse al sarcofago.
Lato sinistro del Monumento funebre ad Ilaria Del Carretto
Il sarcofago raffigura la ragazza dormiente, riccamente abbigliata che giace su un catafalco decorato con putti reggifestone. La ragazza ha i capelli raccolti in una tipica acconciatura dell’epoca mediante una fascia imbottita e la testa è appoggiata su due cuscini.
Il ritratto è dolce ed elegante con uno struggente contrasto tra la bellezza del soggetto e lo stato di morte che è entrato nell’immaginario collettivo. Il panneggio è ancora tardogotico, mentre i putti con i festoni sui fianchi sono esplicite citazioni dell’arte classica.
Infine ai piedi della ragazza è accoccolato un cagnolino, simbolo della fedeltà coniugale e trattato con notevole realismo.
FONTANA MONUMENTALE DI SIENA O FONTE GAIA
Fonte Gaia; Siena, piazza del Campo. 1436
Edificata nel 1436 nella Piazza del Campo,venne accolta dai cittadini con talmente tanta esultanza che ne derivò l’appellativo “Gaia”.
Jacopo della Quercia, Rea Silvia, 1414-1418, marmo della Montagnola senese, altezza 163 cm.Siena, Complesso museale di Santa Maria della Scala
Il debole materiale impiegato per la sua realizzazione, il tipico marmo della Montagnola senese, e la vita quotidiana che si svolgeva sulla piazza contribuirono presto al degrado della fontana. Uno dei traumi maggiori fu inferto da chi, per vedere meglio lo svolgimento del Palio, si arrampicò su una delle due sculture a tutto tondo (Rea Silvia, l’altra era Acca Larenzia) mandandola in pezzi. Si decise di sostituire la fontana con una sua copia fatta in marmo di Carrara, più duraturo, protetta da una cancellata. Inizialmente la fontana venne decorata da Jacopo della Quercia con una serie di rilievi scultorei: i due lati corti recano bassorilievi con la Creazione di Adamo e la Cacciata dei Progenitori, sul lato più lungo vi sono i rilievi con al centro la Madonna col Bambino in trono circondata dalle Virtù e dagli Angeli. Infine, ha un bacino rettangolare aperto sul lato verso il Palazzo Pubblico.
PORTA MAGNA
Porta Magna; a partire dal 1425. Bologna, basilica di San Petronio
La “Porta Magna” è il portale centrale della basilica di San Petronio a Bologna. Realizzata a partire dal 1425, è decorata da statue e rilievi che sono considerati il capolavoro dello scultore senese Jacopo della Quercia.
Lunetta e Storie del Nuovo Testamento, Porta Magna (particolare); a partire dal 1425. Bologna, basilica di San Petronio
Jacopo scolpì le dieci formelle a bassorilievo sugli stipiti del portale che raffigurano Storie della Genesi, i diciotto Profeti nella strombatura, la Madonna col Bambino e i santi Ambrogio e Petronio nella lunetta, completata quest’ultima dal Varignana, e le cinque Scene del Nuovo Testamento sull’architrave: Natività, Adorazione dei Magi, Presentazione al Tempio, Strage degli Innocenti e Fuga in Egitto. Le figure occupano le formelle per tutta la loro altezza, su sfondo per lo più neutro, e sono caratterizzate da gesti ampi, pose eloquenti e composizioni dinamiche. Il rilievo usato è diverso dallo stiacciato donatelliano, poiché non usa “sottosquadri”, anzi fa apparire le figure come schiacciate tra due piani invisibili, con linee nette e ombre ridotte al minimo. Alle parti lisce e stondate delle figure si alternano spesso fratture di piani e contorni rigidi, dal cui contrasto sprigiona un effetto di grande forza trattenuta.
Michelozzo di Bartolomeo Michelozzi , comunemente chiamato Michelozzo , nacque a Firenze nel 1396 .
La sua storia inizia e si sviluppa nella bottega di Ghiberti , dove strinse amicizia con Donatello , autore con cui svolse varie opere , tra cui , una delle più importanti , Il San Ludovico di Tolosa.
Risulterà essere uno dei maggiori collaboratori di Brunelleschi , infatti dopo la sua morte (1446) Michelozzo eredita due compiti: completare la Cappella Pazzi , ed edificare la lanterna culminante della cupola di Santa Maria del Fiore.
L’opera più importante di Michelozzo è il Palazzo Medici Riccardi, commissionatogli nel 1444.
Michelozzo, Palazzo Medici Riccardi, dal 1444, veduta da Via Cavour; via Cavour 3, Firenze
L’esterno della struttura è articolato in tre volumi sovrapposti , sormontati da un enorme cornicione. Le finestre equilibrano i vuoti e i pieni sulla superficie della parete.
Michelozzo, Cortile del Palazzo Medici Riccardi, dal 1444, Firenze
All’aspetto volumetrico esterno si contrappone la simmetria del vano interiore, che presenta un porticato composto su ogni lato da quattro colonne , su cui si impostano tre archi a tutto sesto appoggiati su capitelli di forma originale. Gli archi compongono il livello più basso di questo portico , che comprende tre livelli sovrapposti (come l’esterno della struttura). Il secondo livello è formato da un’ architrave tangente agli archi , che presenta stemmi decorati posti dentro scavature circolari , ogni stemma è posto sopra un arco , quindi abbiamo un numero totale di dodici stemmi , poiché dodici sono gli archi . Sopra la cornice troviamo il secondo livello vero e proprio , che presenta tre finestre per lato identiche a quelle della facciata esterna. Nel terzo livello si sviluppa una loggia con colonne che riprendono quelle del primo livello. Michelozzo riprende quindi gli ideali del maestro Brunelleschi , poiché la struttura del palazzo e il rapporto tra esterno ed interno , segue le orme dello Spedale degli Innocenti , opera effettuata da Brunelleschi tra il 1421 e il 1424 .
Michelozzo mori all’età di 76 anni ,nel 1472, a Firenze.
Tommaso di ser Giovanni Cassai, detto Masaccio, nacque il 21 dicembre del 1401 a San Giovanni Valdarno (Arezzo). Si trasferì con la famiglia a Firenze dove nel 1422 si iscrisse come pittore all’Arte dei Medici e degli Speziali. La sua attività si svolse prevalentemente in questa città, ma poco si sa della sua formazione, anche la tradizione, che lo vuole allievo di Masolino da Panicale è oggi smentita dalla critica, anzi è sicuramente Masolino che riceve l’influenza del più giovane Masaccio.
Trittico di San Giovenale; 1422; tempera su tavola a fondo oro; 108×65 cm; Museo Masaccio, Cascia di ReggelloSant’Anna Metterza; Masaccio e Masolino da Panicale; 1424-1425; tempera su tavola; 175×103 cm; Galleria degli Uffizi, Firenze
Con il dipinto Sant’Anna Metterza iniziò comunque una collaborazione fra i due pittori. La pala d’altare fu realizzata per la chiesa di Sant’Ambrogio a Firenze intorno al 1424-1425, oggi si trova alla galleria degli Uffizi. La critica attribuisce a Masolino la figura di Sant’Anna e di tutti gli angeli tranne forse quello centrale in alto e quello reggicortina di destra che sono attribuito a Masaccio come la Vergine e il Bambino. In queste figure sono evidenti i caratteri distintivi dell’arte Masaccesca con il suo modo di concepire le figure poste saldamente in uno spazio reale creato dalla volumetria delle figure stesse. Masolino è influenzato dalla spinta in avanti rappresentata dalla pittura di Masaccio rispetto agli artisti che lo precedono e cerca di fare propri i modi nuovi della rappresentazione masaccesca ottenendo però dei risultati inferiori.
Pagamento del tributo; Masaccio; 1425 circa; affresco; 255×598 cm; chiesa di Santa Maria del Carmine, Firenze
Nel ‘Pagamento del tributo‘ si vede Pietro in tre diversi istanti: prende l`acqua dal fiume, parla con Gesù e discute con il protettore della città per farli passare.
Ricostruzione del Polittico di Pisa di Masaccio
Nello stesso periodo gli fu commissionato dal notaio Giuliano di Colino degli Scarsi un polittico per l’altare della cappella di famiglia nella chiesa del Carmine a Pisa. L’opera si compone di 25 pannelli oggi smembrati e sparsi in vari musei.
Masaccio, Madonna in trono col Bambino, 135,5×73 cm; National Gallery, Londra; frammento del Polittico di Pisa
Tra questi abbiamo il pannello centrale che rappresenta la Madonna in trono con Bambino e quattro angeli, oggi alla National Gallery di Londra, nella quale, come per la pala di Sant’Anna Metterza, la definizione volumetrica dei personaggi e il chiaroscuro dei panneggi, definisce lo spazio in modo realistico; il bambino è rappresentato nell’atto di mangiare un’acino d’uva immettendo la raffigurazione sacra nella realtà, cosa impensabile per un pittore suo precedente.
Crocefissione; frammento del Polittico di Pisa; Masaccio; Museo nazionale di Capodimonte, Napoli, 83×63 cm
Fa parte del polittico la Crocifissione, che oggi si trova al museo Nazionale di Capodimonte di Napoli. Anche in questo caso il fatto sacro viene rappresentato con intento realistico, basti guardare il capo del Cristo incassato nelle spalle a rappresentare l’abbandono della morte; inoltre se pur è presente il fondo in oro, cosa che chiude ogni possibilità di rappresentazione spaziale, qui l’illusione della profondità è ben rappresentata per esempio dalla Maddalena in primo piano, della quale Masaccio riesce a far intuire il dolore anche se viene rappresentata di spalle.
Trinità; Masaccio; 1425-27; affresco; 667×317 cm; Basilica di Santa Maria Novella, Firenze
L’ultima opera da lui realizzata fu la Trinità per la basilica di Santa Maria Novella a Firenze. La scena avviene su tre piani distinti: in basso il sarcofago con lo scheletro adagiato sopra che simboleggia la transitorietà delle cose terrene, poi un secondo piano con le figure dei committenti inginocchiate e all’interno della complessa struttura architettonica della cappella, in terzo piano, ci sono la Vergine e San Giovanni e il Cristo sulla Croce sorretto dal Creatore.
Masaccio morì prematuramente a Roma alla fine del 1428 a soli 27 anni, la leggenda narra che fu avvelenato da un suo rivale.
Nacque da una famiglia umile a Firenze nel 1386, ed ivi morì nel 1466.
Intraprese la sua formazione artistica a diciassette anni nella bottega di Lorenzo Ghiberti, del quale fu assistente nella realizzazione della porta del Battistero di Firenze, commissione vinta da quest’ultimo in un concorso al quale presentò la sua proposta anche Filippo Brunelleschi.
Durante l’apprendistato nella sua bottega, il Ghiberti trasmette a Donatello il suo gusto e la sua tecnica nel trattare armoniosamente la luce sulle superfici scolpite, gli insegna ad ammorbidire i contorni ed a trattare i panneggi in modo elegante. Donatello è però presto portato dall’originalità del suo talento a superare gli schematismi correnti e l’arte figurativa fiorentina si arricchisce di nuovi elementi.
Tra il 1404 e il 1408 si recò più volte a Roma con l’amico Brunelleschi, per studiare le opere dell’antichità, ricevendo le prime commissioni per singole figure di statue in marmo o in terracotta. Il suo innato talento di “orafo e scarpellatore” gli fa raggiungere presto gli onori della cronaca, e gli anni compresi tra il 1411 ed il 1420 si caratterizzano per la realizzazione di varie opere in bronzo insieme a Michelozzo, con il quale iniziò la pratica presso il Ghilberti, realizza la prima opera in bronzo dorato, il San Ludovico di Tolosa, la collaborazione tra i due artisti perdurò fino al 1430.
San Giorgio, Donatello, 1415-1417, marmo, 209 cm, Museo Nazionale del Bargello, Firenze
Nel mirabile illusionismo del rilievo (la cosiddetta prospettiva aerea) dell’opera di San Giorgio e il drago, eseguito intorno al 1417 nella chiesa fiorentina di Orsanmichele, Donatello realizza compiutamente nella scultura in pietra l’effetto quasi “pittorico”, prima ancora che esso sia affrontato dal più flessibile mezzo espressivo della pittura.
San Giorgio e il drago, Donatello, piedistallo della statua “San Giorgio”David e Golia o Mercurio e Argo, Donatello, h.158 cm, 1440, Museo Nazionale del Bargello
Nel 1440 Donatello esegue Il David (o Mercurio) una scultura in bronzo di 158 cm per un diametro massimo di 51 cm, conservata nel Museo nazionale del Bargello a Firenze. Opera forse più celebre e al tempo stesso più atipica dell’artista, è emblematica dell’intero Quattrocento italiano, densa di significati non tutti completamente svelati. Dai tempi dell’antica Roma è il primo rilievo a tutto tondo di un nudo, inteso come opera a sé stante, libera da elementi architettonici. Realizzato probabilmente per il cortile di palazzo Medici, è di datazione molto controversa: l’anno di fusione proposto negli studi critici oscilla tra il 1427 e il 1460. La datazione più diffusa è quella che lo colloca tra le opere degli anni quaranta del Quattrocento, quando il grande scultore lavorò per Cosimo de’ Medici. La prima menzione documentaria risale al 1469, che lo segnala presente nel cortile di casa Medici durante le celebrazioni per le nozze di Lorenzo il Magnifico con Clarice Orsini.
Monumento Equestre al Gattamelata, Donatello, bronzo, Padova, 1446 – 1453, Dimensioni 340×390 cm
La maturità artistica di Donatello è espressa nei successivi lavori a Padova, dove si reca nel 1443, esegue diversi lavori per la Basilica di Sant’Antonio e il Monumento Equestre di Gattamelata. Un lungo soggiorno di ben 11 anni, durante i quali oltre a realizzare le suddette opere esegue diverse sculture in bronzo ed una serie di bassorilievi in marmo.
Profeta Abacuc, marmo bianco , 2 metri d’altezza (detto ‘Zuccone’ = calvo, impersonifica la persona normale e comune), Donatello
Il Profeta Abacuc (marmo bianco , 2 metri d’altezza, detto ‘Zuccone’ = calvo, impersonifica la persona normale e comune)
Banchetto di Erode; Donatello; 1423-1427; bronzo; 60×60×0.2 cm; Battistero di Siena, Siena
Donatello fu iniziatore della tecnica dello stiacciato, utilizzata nel Banchetto di Erode. Lo stiacciato è una tecnica scultorea che permette di realizzare un rilievo con variazioni minime (talvolta si parla di millimetri) rispetto al fondo. Può essere realizzato sia in rilievo che incavato. Per fornire all’osservatore un’illusione di profondità, lo spessore diminuisce in modo graduale dal primo piano allo sfondo. Questa tecnica è per alcuni aspetti più simile ad un’immagine che alla forma della scultura e quindi si rivela adatta all’applicazione della prospettiva.
Maria Maddalena; Donatello; 1453-1455; Legno; 188 cm; Museo dell’Opera del Duomo, Firenze
Donatello morì a Firenze nel 1466. Venne sepolto nei sotterranei della basilica di San Lorenzo, vicino a Cosimo il Vecchio, nella singolare e prestigiosa collocazione al di sotto dell’altare.
Filippo Brunelleschi nacque a Firenze nel 1377. Svolse il suo apprendistato di artista in una bottega di orafo. Nel 1401 si mise in luce con il concorso per la seconda porta bronzea del battistero di Firenze, che gli valse la vittoria ex- equo con Lorenzo Ghiberti, realizzatore dell’opera. La formella di Brunelleschi, rappresentante il Sacrificio di Isacco, ha un’effetto drammatico dato dalla composizione mossa che si contrappone al sereno classicismo della formella con lo stesso soggetto di Ghiberti.
Brunelleschi, Sacrificio di Isacco, 1401, bronzo parzialmente dorato, cm 45×38. Firenze, Museo Nazionale del Bargello
Tra le altre opere di scultura eseguite da Brunelleschi abbiamo il Crocifisso ligneo di Santa Maria Novella che egli realizzò tra il 1418 e il 1420, con proporzioni perfettamente armoniche, in polemica con il Crocifisso che Donatello realizzò per la chiesa di Santa Croce giudicato dal Brunelleschi stesso come troppo rozzo e contadinesco.
Filippo Brunelleschi, 1410 – 1415 ca. Legno policromo, altezza 170 cm. Firenze, Basilica di Santa Maria NovellaDisegno raffigurante la cupola di Santa Maria del Fiore in tutte le sue parti
Nel 1418 l’Arte della Lana bandì un concorso per la realizzazione della cupola di Santa Maria del Fiore, realizzazione della quale presentava numerosi problemi, cioè l’ampiezza e la notevole altezza, che non permettevano l’uso di impalcature da terra. Brunelleschi utilizzò una particolare struttura muraria a corsi di mattoni disposti a spina di pesce che permettevano l’innalzamento senza bisogno di sostegni. Inoltre dette alla cupola una forma a sesto acuto costolonata in modo da dividere la superficie in otto spicchi che consentissero un facile inserimento sul tamburo precedentemente costruito in forma ottagonale. Alla sommità della cupola si erige la lanterna a forma di tempietto circolare che rappresenta il perno dell’intera costruzione. CLICCA QUI PER VEDERE LA CUPOLA IN 3D La sua architettura è rigorosamente razionale, basata sul linearismo prospettico e sulla chiara modulazione dello spazio, per esempio nella Loggia per lo Spedale degli Innocenti costruita dall’artista tra il 1421 e il 1424, nella quale la chiarezza, la semplicità e linearità delle forme rappresentano una novità.
Filippo Brunelleschi, interno della chiesa di San Lorenzo. Firenze. Completamento nel 1461, con interventi fino al 1740
Intorno al 1423 Brunelleschi inizia la realizzazione della chiesa di San Lorenzo che si completerà nel 1428 con la costruzione della Sacrestia. La chiesa all’interno è composta di tre navate divise da archi a tutto sesto che riprendono i motivi della Loggia e che danno una illusoria sensazione di profondità dello spazio. La Sacrestia invece è un vano cubico con cupola emisferica divisa in dodici spicchi.
Filippo Brunelleschi, facciata incompleta della chiesa di San Lorenzo. Firenze. Completamento nel 1461, con interventi fino al 1740
Tra il 1430 e il 1444 Brunelleschi realizzò per la famiglia Pazzi la cappella che si trova nel chiostro di Santa Croce. Essa ha una pianta rettangolare con un vano centrale quadrato e due ali laterali. Il portico che si trova sul davanti fu realizzato da un allievo del maestro dopo la sua morte ma è rimasto incompiuto. Filippo Brunelleschi morì a Firenze nel 1446.
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